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LEON GOLUB
Politisch engagierter amerikanischer Künstler,
dessen Werk sich mit Macht, Gewalt,
Krieg und menschliches Leid beschäftigt.
von Jon Bird
in: The Guardian, London, am 13. August 2004

Leon Golub, einer der wichtigsten amerikanischen Künstler der Nachkriegszeit, ist im Alter von 82 Jahren in New York gestorben. Seine Frau, die Künstlerin Nancy Spero, und ihre Söhne sagen, er habe die Welt so verlassen, wie er sie immer bewohnt habe - mit einem klaren und entschlossenen Blick auf die Realität der Dinge.

Der in Chicago geborene Golub, der 1947 mit einem GI-Stipendium an der School of the Art Institute studierte, folgte der Generation der New Yorker Künstler, die sich durch ihre abstrakten und expressionistischen Gemälde auszeichneten, und vertrat einen alternativen Stil der Figuration, der auf den Ausdrucksmöglichkeiten des menschlichen Körpers beruhte.

Durch seine früheren kunsthistorischen Studien und seine Arbeiten im Museum of Modern Art in Chicago war er mit der europäischen Moderne vertraut. In seinen frühen Gemälden verband er Bezüge zur spätklassischen Skulptur mit hybriden und mythischen Themen, insbesondere dem Bild der Sphinx. Sie kulminierten Mitte der 1960er Jahre in einer Serie wandgroßer und stark texturierter Darstellungen von kämpfenden Figuren, den "Gigantomachies".

Das Thema der Verkörperung stand im Mittelpunkt dieser Werke und blieb sein ganzes Leben lang ein wichtiges Anliegen: das heißt, wie eine bildende Kunst den Körper als Zeichen sowohl für soziale als auch für psychologische Zustände und für die zerstörerischen und zersetzenden Auswirkungen der Macht auf unser individuelles und kollektives Leben darstellen kann.

Die Familie lebte und arbeitete zweimal im Ausland - neun Monate in Italien Mitte der 1950er Jahre, ermöglicht durch die Großzügigkeit seines ersten ernsthaften Sammlers, und dann fünf Jahre in Paris ab 1959. Als figurative Künstler fühlten sich sowohl Golub als auch Spero, die er am Art Institute kennengelernt und 1951 geheiratet hatte, durch die kritischen und kuratorischen Investitionen in die Spielarten der amerikanischen Abstraktion an den Rand gedrängt, und Paris bot sowohl die Nähe zur europäischen Kunst als auch eine Tradition der Historienmalerei in den Werken von Jean Auguste Dominique Ingres, Jacques-Louis David und Gustave Courbet.

Das Ehepaar mietete ein maison particulière im 16. Arrondissement bei einem freundlichen russischen Vermieter, der Golub erlaubte, ein Lüftungsrohr zu installieren, um einen Teil der schädlichen Dämpfe der Lackfarben und Lösungsmittel abzusaugen, die seine Hauptarbeitsmaterialien waren. Vielleicht zum Glück für die Gesundheit der ganzen Familie stellte die Firma, die das Produkt herstellte, die Produktion ein, und er begann, mit Acrylfarben zu experimentieren, wobei er die Farbe in einem mühsamen Verfahren in den Schuss und die Kette der Leinwand einbettete, indem er das Bild mit einem Fleischerbeil auflöste und wieder abkratzte, um den für seine gemalten Oberflächen bis Anfang der 1990er Jahre charakteristischen Distressed-Look zu erzeugen.

Als die Familie 1964 nach New York zurückkehrte, erlebte sie die ersten Proteste gegen die Eskalation des Vietnamkriegs. Golub war schon während seiner Studienzeit leidenschaftlich politisch aktiv gewesen, und beide Künstler schlossen sich der Artists and Writers Protest Group an. Während ihr Atelier zu einem Zentrum für die Organisation von Anti-Kriegs-Aktivitäten wurde, lieferte die Unmittelbarkeit des Konflikts materielle Beweise für die zersetzende Wirkung tatsächlicher Macht auf reale Körper und veranlasste Golub, über seine bildnerischen Anliegen nachzudenken. Er entfernte sich von den verallgemeinerten Konfliktarenen der "Gigantomachies" und wandte sich der Darstellung verkohlter und verstümmelter Torsi zu, der Napalm-Serie, gefolgt von den drei großen Vietnam-Gemälden der 1970er Jahre, von denen das größte, Vietnam II, kürzlich der Tate Modern geschenkt worden ist.

Golubs Gemälde der 1960er und 70er Jahre sind auch Studien über die Krise der männlichen Identität, die ein moralisch nicht zu rechtfertigender Krieg ausgelöst hatte. Er erlebte nun eine persönliche Themenkrise und zerstörte fast alles, was zwischen 1974 und 1976 entstand, bis eine zufällige Ähnlichkeit zwischen einem GI in Vietnam III und einem Nachrichtenfoto des jungen Gerald Ford ein neues Thema nahelegte.

Diese zerkratzten und nackten Oberflächen entziehen ihrem Gegenstand Affektivität und Tiefe, während sie ihre Rolle für das Auge der Kamera zu erfüllen scheinen, eine Unsicherheit, die für den Kritiker Donald Kuspit teilweise eine Reaktion auf den Feminismus war. So wie Speros eigenes Werk ihr Engagement in der Frauenbewegung widerspiegelt, hat Golub die Mehrdeutigkeit der Geschlechterrollen in seine Bilder aufgenommen. Er scherzte oft über ihre jeweiligen Praktiken: "Nancy hat die Frauen und ich die Männer."

Die Arbeit an den Porträts und die Details im Gesichtsausdruck lieferten ihm Elemente, die für seine bekanntesten Werke - die riesigen Darstellungen von Folter, Verhören und sozialer Gewalt, die er in den 1980er Jahren malte - von zentraler Bedeutung wurden. Dies markierte einen Wendepunkt in seiner Karriere und eine öffentliche und kritische Anerkennung, die ihm seit seiner frühen Bekanntheit in den 1950er Jahren gefehlt hatte.

1982 hatte er seine erste Einzelausstellung in New York seit 20 Jahren, und er stellte auch Mercenaries and Interrogations im Londoner Institute for Contemporary Arts aus. Charles Saatchi begann, seine Werke zu sammeln, und er wurde als eine ältere Autorität bei der Hinwendung junger Künstler in Europa und Amerika zur Figuration angesehen.

Doch Golub tat nur das, was er schon immer getan hatte - er widersprach der Macht und dokumentierte ihre Politik und Unterdrückung. Dabei entdeckte er einen Weg, die Tradition der Historienmalerei zu adaptieren und die Technologien und Techniken der Nachrichtenmedien und des Kinos einzubeziehen.

Das Besondere an seinen Kompositionen ist die Interaktion zwischen den Figuren und über den Bildraum hinweg, der Austausch von Blicken und Gesten zwischen Opfer und Angreifer oder Vernehmer und Söldner oder das Unbehagen, das wir, die Betrachter, empfinden, wenn sie uns anstarren und uns auffordern, mitzumachen, wenn der Krieg in den Untergrund geht.

In den 1990er Jahren kam es zu einem weiteren bemerkenswerten Wandel in seinem Werk. Im Alter von 70 Jahren, den biblischen zehnunddreißig Jahren, begann Golub mit einer Serie dystopischer, von Dunkelheit durchdrungener Gemälde, einer apokryphen Welt aus aasfressenden Hunden, stolzierenden Skeletten, brüllenden Löwen und verkündenden Texten. Diese späten Gemälde, die an Vanitas-Gemälde erinnern, in denen Unordnung und Tod den materiellen Reichtum und die irdischen Freuden überschatten, spiegeln Theodor Adornos Beschreibung von Beethoven wider: "In der Geschichte der Kunst sind die späten Werke die Katastrophe".

Leon hat mich vor vielen Jahren auf diesen Aufsatz von Adorno aufmerksam gemacht, und ich bin überzeugt, dass diese Serie zum Teil sein eigenes Ringen mit einem Ende aufzeichnet, da seine Hunde und Löwen gegen das Sterben des Lichts, gegen Trennung, Verlust und das Ende aller Dinge heulen und brüllen. Das alles hatte jedoch nie etwas Melancholisches an sich.

Wenn ein Ende gemacht werden musste, dann mit einem ironischen Humor im Dienste eines fragenden Bewusstseins, das furchtlos auf die Welt blickt. So fällt auf einem Gemälde ein umgekipptes Skelett, das seine Militärhosen zu verlieren droht, auf ein Rudel Hunde mit der Aufschrift "Noch ein Witzbold aus dem Geschäft", während auf einem anderen Bild eine Gestalt, die unter einem offensichtlich hungrigen Löwen kauert, ein Plakat mit der Aufschrift "Warum ich?" umklammert.

Hier kommt vielleicht etwas von der Substanz des Mannes in die nackten Fakten eines zutiefst kreativen Lebens: seine Vitalität und Stärke in der Not, sein Humor und seine Großzügigkeit, seine scharfe Intelligenz und sein politischer Scharfsinn. Leon liebte es, sich mitzuteilen, und er war ein großartiger Redner, sei es im Kreise von Freunden in der Atelierwohnung, die er mit Nancy teilte, sei es in seiner Eigenschaft als langjähriger Dozent an der Kunstabteilung der Rutgers University oder bei einer der zahlreichen Gespräche, Vorträge und Podiumsdiskussionen, die er im Laufe der Jahre leitete oder besuchte. Seine Aphorismen waren legendär, und viele seiner längeren Texte wurden kürzlich gesammelt und unter dem passenden Titel Do Paintings Bite? veröffentlicht.

Wie ein Hund mit einem Knochen kaute und nagte er an seinen Themen und weigerte sich, sie loszulassen, bis er einer unsicheren und unruhigen Welt eine Wahrheit entlockt hatte, die in einem seiner Werke ihren Ausdruck finden konnte. Doch so sehr die Enttäuschung auch seine imaginären Szenarien beherrschte, etwas gab er immer zurück, und wir sind um so besser daran.

Er hinterlässt seine Frau und seine drei Söhne Stephen, Philip und Paul.

Adrian Searle schreibt: Gnomisch, glatzköpfig, witzig und weise, war Leon Golub eine unermüdliche Präsenz in der New Yorker Kunstwelt. In Interviews waren er und seine Frau ein wunderbarer Doppelgänger, eine Erinnerung an ein Amerika mit Gewissen. Sein Blick auf die Welt war scharfsinnig und ironisch. Es war auch - im besten Sinne - eine schreckliche Vision. Seine Bilder erzählen davon. Golubs Kunst hatte etwas Ursprüngliches an sich. Sie enthält etruskische Malerei, Lucas Cranach, Francisco de Goya, Bilder aus Zeitungen und TV-Wochenschauen, Details aus Pornografie und Waffenzeitschriften. Es gab auch Zärtlichkeit in seinen Bildern. Auf einer frühen Sphinx, die er in den 1950er Jahren in Italien malte, klebt noch das Laub eines römischen Winters in der Emailfarbe. Später malte er Bilder aus einer Welt, die ihm sowohl näher als auch ferner lag: Bauern und Soldaten in Vietnam, Söldner in El Salvador und Nicaragua, Amerikaner in schmuddeligen Anzügen, die eine Leiche in den Kofferraum eines Autos stopfen. Er malte Straßenecken, von denen niemand zurückkehren konnte.

Er malte sowohl die Folterer als auch die Gefolterten. Golub sagte mir einmal, dass er kaum einen Unterschied zwischen den Unterdrückern und den Unterdrückten sieht: Sie sind alle gleichermaßen Opfer. Er malte, wie der Zwang funktionierte. Bestimmte Bilder könnten uns heute an die Trophäenfotos erinnern, die aus dem Gefängnis von Abu Ghraib aufgetaucht sind. Golub wusste, dass sich manche Dinge nie ändern, dass das Leiden immerwährend ist. Aber denjenigen, die "die nasse Arbeit" anordneten, den Generälen und Diktatoren, den Politikern und ihren Geldgebern, reservierte er einen besonderen Platz in einer langen Reihe von aufrüttelnden Porträts. Seine Gemälde schienen diese Leute lebendig zu häuten, hatten aber eine taktile Qualität von schrecklicher, sehniger Zartheit.

In den späten 1980er Jahren verkaufte Golub einmal eine Gruppe seiner Bilder von Todesschwadronen an Charles Saatchi. Als ich den Künstler im ICA interviewte, sagte er, er hoffe, die Bilder würden dem Sammler unter die Haut gehen oder ihn zumindest "fertigmachen". Saatchi entledigte sich dieser Gemälde, die zu Golubs besten zählen. Die Gruppe von Werken, die er 2002 auf der Documenta in Deutschland ausstellte, waren wilde Gemälde des Alters, die für jüngere Generationen von Künstlern, die seine Arbeit nicht kannten, einen Schock darstellten.

Zu Hause verbrachten er und Nancy die Tage nach dem 11. September damit, von Anrufen aus aller Welt belagert zu werden. Leon wurde sehr geliebt, auch wenn er sich über die Ungerechtigkeit in der Welt, seinen schlechten Rücken und seine Füße und die Bastarde, die das Land regieren, aufregte. Wann immer ich ihn besuchte, kam das Essen auf Papptellern aus dem Feinkostladen unten (das sparte Zeit); Führungen durch die Studios waren obligatorisch, ebenso wie skurriler Klatsch, verleumderische Gespräche und ein wenig Geschrei. Der beste Teil von ihm wurde nie alt. Leon war ein unvergesslicher Mann, ein großer Mentor, ein großherziger Maler unnachgiebiger Bilder, dessen Wert noch nicht vollständig gewürdigt worden ist.

Leon Golub, Künstler, geboren am 21. Januar 1922; gestorben am 8. August 2004

Leon Golub, artist, born January 21 1922; died August 8, 2004

Quelle: http://www.theguardian.com/news/2004/aug/13/guardianobituaries.artsobituaries

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