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KUNST IN BEWEGUNG
Die weltreisende Künstlerin Dorothy Gillespie
ist die ultimative Abenteurerin
Von Jeanne Johnson (1997)
Zeitschrift der Universität Radford, Ausgabe Mai 1997, New York 1997
Dorothy Gillespie glaubt, dass Künstler die ultimativen Abenteurer sind, und sie tut, was sie predigt. Erst kürzlich, im Alter von 76 Jahren, kehrte die aus Roanoke stammende Künstlerin von ihrer dritten Reise nach Ägypten und ihrer zweiten Kenia-Safari zurück, wo sie jeden Morgen früh aufstand, um in aller Ruhe zu zelten und Elefanten, Zebras und Geparden in ihrem natürlichen Lebensraum zu beobachten. Ach ja, und nebenbei ist sie auch noch durch den Indischen Ozean gesegelt.
Das alles klingt nach großartigen Fotomöglichkeiten, aber Gillespie nimmt nie eine Kamera mit. "Ich habe die Erfahrung gemacht, dass ich mit einer Kamera zu sehr abgelenkt bin, wenn ich versuche, ein Bild einzufangen", sagt sie. "Ich nehme lieber auf, was ich sehe. Die Bewegung hat etwas Wunderbares an sich."
Es macht Sinn, dass Gillespie von der zweidimensionalen, statischen Natur der Fotografie frustriert ist. Ihre auffälligen, meist großformatigen abstrakten Kunstwerke bestehen oft aus gewundenen Bändern aus farbigem Aluminium, die den Betrachter in explosive Momente des Übergangs hineinziehen, dynamisch eingefroren in der Zeit.
Obwohl ihre Skulpturen und Gemälde unbeweglich sind, scheinen sie eine inhärente kinetische Qualität zu besitzen. Es ist fast so, als würden sie wie die Spielzeuge im Film "Toy Story" lebendig werden, wenn die Menschen nicht hinsehen.
Gillespie, die vor kurzem zur Professorin für Kunst an der RU ernannt wurde, besitzt die Raffinesse und den Scharfsinn einer Frau, die schon viel gesehen und getan hat. Dennoch ist sie erfrischend unprätentiös, mit der Liebe einer echten Künstlerin zu den einfachen Freuden von Bewegung, Farbe und Form.
"Ihre Arbeiten sind fröhlich und lebendig", sagt Art Jones, Vorsitzender der Kunstabteilung. "Ihre Arbeit hat eine temperamentvolle Qualität, die ihr freundliches und optimistisches Wesen widerspiegelt.
Der offene, überschwängliche Geist, der sich in ihren Skulpturen und Gemälden widerspiegelt, ist auch in ihren Schmuckstücken zu spüren. Ihre emaillierten Schmuckstücke, die im Schmucklabor von RU hergestellt werden, sind bunt, kompakt und lebendig. Außerdem sind sie vielseitig einsetzbar: Die Stücke können entweder getragen oder als kleine Skulpturen zierlich präsentiert werden.
Als Distinguished Professor leitet Gillespie Seminare und gibt Ratschläge zur Leidenschaft und zum Geschäft mit der Kunst. Außerdem arbeitet sie regelmäßig mit den Studenten zusammen, produziert Kunst und organisiert Veranstaltungen und Projekte.
Jones sagt, dass Gillespie stets eine "wichtige Akteurin" in der professionellen New Yorker Kunstwelt war, insbesondere als Organisatorin von Frauenaktivitäten während des Beginns der feministischen Bewegung in den späten 1960er und frühen 70er Jahren. Jones ist der Meinung, dass Gillespies persönliche Perspektive die jüngere Kunstgeschichte bereichert und den Studenten die wichtigsten Kunstthemen näher bringt.
Gillespie war dabei, als sich die Erde bewegte - zumindest schien es so. Die europäisch dominierte Kunstwelt stand schon immer im Mittelpunkt des Interesses und beanspruchte die bekanntesten Künstler und Kunstbewegungen der Welt für sich. Doch in den 1950er Jahren verschob sich der Fokus der Kunstwelt grundlegend von Europa nach New York. Gillespie gehörte zur New Yorker Schule mit Künstlern wie Jackson Pollack und Willem deKooning, deren Namen in den Lehrbüchern der Kunstgeschichte zum Standard gehören.
Es war eine aufregende Zeit, um Künstlerin zu sein. Gillespie sagt, als sie ihre ersten abstrakten expressionistischen Gemälde sah: "Es war herrlich. Ich wusste, dass ich etwas gefunden hatte". Ihre eigene Entwicklung hin zur Abstraktion verlief parallel zu dieser Bewegung, aber sie war sehr schrittweise und persönlich. Sie war nie eine Anhängerin der Mode um der Mode willen. "Ich bin nie auf einen Zug aufgesprungen", sagt sie. "Ich wollte es auf meine Art."
Gillespie glaubt, dass es ihr vorbestimmt war, Künstlerin zu werden. "Ich glaube, Künstler werden geboren", sagt sie. "Es ist nichts, was man sich aussucht, es ist etwas, was man tun muss." Sie zeigte schon früh eine Affinität zur Kunst, die von ihren Eltern gefördert wurde, zumindest anfangs. "Wenn ein Kind klein ist, ermutigen die Eltern es zu künstlerischen Aktivitäten, weil es das Kind beschäftigt und sie es niedlich finden. Aber sobald sie sehen, dass man es ernst meint, versuchen sie, einen davon abzubringen."
Gillespies Eltern waren keine Ausnahme von der Regel. Ihre Eltern wollten, dass ihre Tochter auf die Radford University geht, die damals kein Kunststudium anbot, um Lehrerin zu werden. Gillespie ließ sich nicht entmutigen.
Sie müssen wissen, dass zu dieser Zeit keine Mädchen auf die Kunstschule gingen, zumindest keine "netten" Mädchen. Meine Eltern sagten immer wieder 'Nein', aber ich erzählte einfach jedem, dass ich auf die Kunstschule gehen würde. Ich dachte, ich hätte nichts zu verlieren. Einmal besuchte ein Pfarrer meine Eltern und fragte mich, was ich denn machen wolle. Ich sagte: "Ich werde auf die Kunstschule gehen", und bevor meine Eltern etwas sagen konnten, sagte er, dass ich eine gottgegebene Gabe hätte. Da ich von einem Pfarrer stamme, sei ich Gott so nahe wie möglich, und so machte ich mich auf den Weg zur Kunstschule."
Gillespie besuchte das Maryland Institute of Art in Baltimore, wo sie sich, wie eine andere Dorothy, umgesehen und gedacht haben muss: "Toto, ich glaube, wir sind nicht mehr in Roanoke." Für Gillespie war Baltimore jedoch ein guter Ort, um den Übergang von einer kleinen Stadt in die oft hemmungslose New Yorker Kunstwelt zu schaffen.
An der Kunstschule haben viele Studenten die Möglichkeit, zu experimentieren und "kreativ zu rebellieren", sagt sie. "Wir wollen wie Künstler aussehen und unsere Identität als Künstler etablieren, also tragen wir einen Skizzenblock mit uns herum und versuchen, anders auszusehen und ein Statement abzugeben".
Nachdem sie in der Kunstschule mit verschiedenen Stilen und Ansätzen experimentiert hatte, ging sie 1943 nach New York. Die Ankunft einer traditionell aufgewachsenen Südwest-Virginia-Künstlerin in der New Yorker Boheme klingt wie ein Rezept für eine Katastrophe - die Vorboten eines Dorothy-Parkerschen Abstiegs in Zynismus und Exzess, wo es keinen Bezugspunkt für Normalität gibt. Doch im Fall von Gillespie hat sie es geschafft, sich zu etablieren, zu stärken und unapologetisch optimistisch zu bleiben.
Vielleicht liegt das daran, dass der Übergang schrittweise erfolgte. Als Gillespie zum ersten Mal nach New York kam, bekam sie eine Stelle als Assistentin des Art Directors bei B. Altman. 1946 war sie verheiratet. In den frühen 1950er Jahren stand sie früh auf, um zu malen, ging zur Arbeit und kümmerte sich um zwei Kinder. Schließlich wusste sie, dass es an der Zeit war, sich der bildenden Kunst zu widmen.
Als 1957 ihr drittes Kind geboren wurde, sagte sie: "Genug davon. Ich wusste, dass ich nicht länger warten konnte, wenn ich Erfolg haben wollte".
Um den Eindruck zu erwecken, eine Hausfrau zu sein, "ging ich ins Atelier, nachdem meine Kinder zur Schule gegangen waren, und kam 15 Minuten, bevor sie erwartet wurden, zurück. Das bedeutete, dass ich immer zu Hause war, und ich glaube nicht, dass sie jemals den Unterschied bemerkten."
Sie wurde auch durch ihr Geschlecht gerettet. Frauen waren im trinkfesten Boys' Club der Kunstwelt nicht willkommen, "aber da wir (die Frauen) in den Bars nicht willkommen waren, wurden wir nicht zu Alkoholikern", sagt sie. "Die Männer aus diesem inneren Kreis haben sich zu Tode gesoffen.
Anstatt sich in destruktiven Bestrebungen zu vereinen, schlossen sich die Frauen zusammen, um ihrer Stimme Gehör zu verschaffen. In den großen Kunstgalerien waren fast keine Frauen vertreten, also gründeten die Frauen ihre eigenen Galerien und Gruppenausstellungen. Um ein politisches Zeichen zu setzen, waren keine Männer zugelassen. Ihre Bemühungen revolutionierten die Kunstwelt, so dass heute fast jede größere Galerie Künstlerinnen vertritt. "Es war unsere Art, sichtbar zu sein, und wir haben die Dinge verändert", sagt sie.
Gillespie hat eine unheimliche Fähigkeit bewiesen, an der Spitze der Trends zu stehen und dennoch immer ihren eigenen, einzigartigen Stil zu bewahren. "Die Leute fragen mich nach dem Geheimnis des Erfolgs in der Kunstwelt, und die beste Antwort, die ich geben kann, ist, dass es nichts damit zu tun hat, gut oder schlecht zu sein. Die Kunstwelt muss hungrig nach einer bestimmten Vision sein". Sie begann als Malerin, experimentierte aber in den 1960er Jahren in New York mit Environments und "Happenings" - Kunstevents, bei denen Dinge aus dem Kontext gerissen wurden, wie etwa ein Tisch und Stühle, die mitten auf der Straße standen.
Zu den von Gillespie inszenierten Happenings gehörten "The American Way of Death", eine bewusst knallige Auseinandersetzung mit amerikanischen Beerdigungspraktiken, und "Made in the U.S.A.", bei dem Schattenboxen und blinkende Lichter verwendet wurden, um Essen, Mode und andere amerikanische Obsessionen zu kommentieren.
"Wenn ich nicht an den "Happenings" teilgenommen hätte, würde ich wahrscheinlich nicht so malen, wie ich es heute tue", sagt Gillespie. Nach den "Happenings" begannen meine Bilder, sich von der Wand zu lösen und in den Raum des Betrachters einzudringen.
Nach ihrem Umzug nach Florida hatte Gillespie nach und nach immer mehr Erfolg, bis sie das Gefühl hatte, ihrem Bekanntheitsgrad im Sunshine State entkommen zu müssen, wo sie im Fernsehen und in den lokalen Zeitungen viel Aufmerksamkeit erhielt. "Es ging so weit, dass ich in einen Supermarkt ging und die Leute auf mich zukamen und sagten, sie hätten mich im Fernsehen gesehen - aber sie wussten nichts über meine Arbeit. Das ist furchtbar gefährlich für eine Künstlerin."
Sie kehrte für eine Weile in die willkommene Anonymität New Yorks zurück, wo sie mehr für ihre Arbeit als für ihre öffentliche Persönlichkeit bekannt war, reist aber weiterhin zwischen New York und Florida hin und her.
Obwohl es Gillespie gelungen ist, eine Karriere als erfolgreiche Künstlerin zu machen, ist sie nicht der Meinung, dass Kunststudenten ihr Ziel auf Geld und Ruhm ausrichten sollten. "Als ich anfing, habe ich einfach gearbeitet", sagt Gillespie. "Ich arbeitete für den Respekt meiner Kollegen und um ein Werk zu schaffen. Das hatte nichts mit Geld zu tun. Heute wollen Leute, die frisch von der Schule kommen, sofortigen Erfolg. So funktioniert das aber nicht."
Gillespie sieht es als Teil ihrer Mission an, junge Künstler zu inspirieren und auszubilden, auch die jungen Künstler von RU. "Ich sage die Dinge, wie sie sind", sagt sie.
Gillespie gibt jungen Künstlern realistische Einschätzungen, die ihre Hingabe zur Kunst auf die Probe stellen. "Sie sagt: "Sie werden wahrscheinlich nie als Künstler berühmt werden, aber Sie müssen es vorziehen, ein erfolgloser Künstler zu sein, anstatt etwas anderes erfolgreich zu machen. Nehmen wir einmal an, Sie werden nicht berühmt. Werden Sie trotzdem Kunst produzieren? Die Arbeit ist das Wichtigste." Gillespie ist sich ihrer Wurzeln in Roanoke stets bewusst und freut sich, dass die RU nun einen Kunststudiengang mit einem gut abgerundeten Programm anbietet.
Ihre dauerhafte Beziehung zu Radford begann, als die Universität eine Schenkung von Gillespies Werken von ihrer Schwester Elizabeth Richards, die in Radford lebt, erhielt. Heute sind Gillespies Gemälde und Skulpturen auf dem gesamten Campus zu sehen, von den Bürogebäuden bis hin zum Haus von Präsident und Frau Douglas Covington in Hickory Hill. Sie ist im Grunde die Begründerin der ständigen Kunstsammlung der Universität, denn sie hat der Universität etwa 30 bedeutende Werke gestiftet und Künstlerkollegen überredet, Arbeiten beizusteuern. Radford schickte einen "Kunstwagen" nach New York, und Gillespie fuhr von Atelier zu Atelier, um Künstlerkollegen zu überreden, Werke beizusteuern. Warum hat sie sich diese Mühe gemacht? "Ich denke, dass permanente Sammlungen wichtig sind, und ich fange gerne etwas an", sagt sie einfach.
Ihre Arbeiten sind weltweit in Museen, Privatsammlungen, Geschäftsgebäuden und Stadtparks zu finden. Derzeit arbeitet sie an mehreren Projekten gleichzeitig: vier Auftragsarbeiten, die Veröffentlichung des ersten Buches über ihre Arbeit und Ausstellungen in Chapel Hill, North Carolina, und Sarasota, Florida. Neben ihrer Tätigkeit als Distinguished Professor of Art an der RU besucht sie auch andere Schulen und Universitäten als Woodrow Wilson Fellow, eine Ehre, die einigen der prominentesten Persönlichkeiten der Welt zuteil wird. "Ich scherze mit meinen Freunden, dass mein Nachruf in der New York Times erscheinen wird, weil ich ein Woodrow Wilson Fellow bin", sagt Gillespie.
In Roanoke ist Gillespie vielleicht am bekanntesten für ihr prominentes Werk im Atrium des Center-in-the-Square. Außerdem schuf sie ein farbenfrohes, 50 Fuß großes Wandgemälde am alten Grand-Piano-Gebäude. Ihr Bekanntheitsgrad in Roanoke wird im Januar 1998 mit Sicherheit zunehmen, wenn "Sculptured Paintings and Painted Sculpture", eine Wanderausstellung ihrer Werke, im Art Museum of Western Virginia in Roanoke gezeigt wird.
Zur Ausstellungseröffnung erscheint das erste vollständige Buch über Gillespies Werk mit Essays von Richard Martin vom Metropolitan Museum of Art, Virginia Pitts Rembert, emeritierte Professorin der University of Alabama, und George S. Boige, Direktor des Boca Raton Museum of Art.
Als Ergänzung zu diesen besonderen Ereignissen hat Gillespie eine Edition von 20 Skulpturen und vier Künstlerabzügen fertiggestellt, die zum Verkauf angeboten werden und deren Erlös der RU Foundation zugute kommt.
Gillespie freut sich darauf, junge Künstler durch eine fortgesetzte Beziehung zu RU zu begleiten. Ihr letzter Rat an Kunststudenten? "Es ist keine sichere Sache, aber wenn ihr euer Handwerk gut lernt, wird vielleicht eine Art Magie geschehen."
"Damals gingen keine Mädchen auf die Kunstschule, zumindest keine 'hübschen' Mädchen. Einmal besuchte ein Pfarrer meine Eltern und fragte, was ich machen wolle. Ich sagte: "Ich gehe auf die Kunstschule", und bevor meine Eltern etwas sagen konnten, sagte er, ich hätte eine gottgegebene Gabe. Von einem Pfarrer empfohlen zu werden, war so nahe an Gott, wie man es sich nur denken konnte, also ging ich auf die Kunstschule."
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