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Herbert Brown <<<  >>>
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Malerei & Videoarbeiten aus den 1960er Jahren
Herbert Brown Ausstellung in der BLT Galerie
New York 2010
Rezension von Megan Marie Garwood
in: The Art World | http://themmag.com/currentIssue/currentReviews.html

Herbert Browns Arbeiten aus den sechziger Jahren bieten einen künstlerischen Blick auf ein Jahrzehnt, das im Halbschatten gesellschaftlicher Dichotomien liegt: Frieden und Krieg, Sexualität und Vorsicht, Individuum und Kaste, Gegenkultur und Konsum. Seine Gemälde bestehen aus zerrissenen Papierstücken von Werbeanzeigen oder U-Bahn-Plakaten, die auf eine gespannte Leinwand geklebt und dann mit dicken, breiten Pinselstrichen in satten, dunklen Farbtönen übermalt werden. Die Motive drehen sich um Krieger, Akte und kulturelle Ikonen. In seinen Videoinstallationen wird ein Ölgemälde einem Fernsehgerät gegenübergestellt, wodurch seine Kunst auf unheimliche Weise mit aufgezeichneten Fernsehbildern aus den sechziger Jahren verschmilzt. Browns Werke reflektieren drei wichtige Motive, die in den sechziger Jahren hinterfragt wurden: die Kommerzialisierung, den Vietnamkrieg und das Experimentieren mit Sexualität. Seine subversiven Striche, die auf den Graffiti-Stil der sechziger Jahre anspielen, manipulieren die allgegenwärtige Bildsprache, so dass mehrere Schichten abstrakter Figuration, sexuell aufgeladener Themen und sozialer Kommentare entstehen, die auf das gesellschaftliche Bewusstsein im Jahr 2010 zutreffen.

Die sechziger Jahre waren ein Jahrzehnt des Wandels für die ganze Nation, geprägt von großen nationalen Fortschritten, aber begrenzten individuellen Leistungen. Die Gleichberechtigung und die wirtschaftlichen Errungenschaften der Nachkriegszeit führten zu einer Betonung von Gebrauchsgütern und Konformität. Der technologische Fortschritt förderte die neue Abhängigkeit Amerikas von Gebrauchsgütern und die massenproduzierte Ikonographie, die durch weit verbreitete Werbemedien geschaffen wurde.

Die relative Ausbreitung des Wohlstands ab den 1950er Jahren ermöglichte es, dass sich in den 1960er Jahren ein neuer Warenmarkt entwickelte, der aus Bedürfnissen und nicht nur aus Wünschen bestand. Weitere Fortschritte in der Massenproduktion von gedruckter Werbung und Plakaten förderten den Informationsaustausch zwischen der Vorstadt und der Stadt, während gleichzeitig die gleichen Ideen in alle öffentlichen Räume getragen wurden. Werbung und Druckerzeugnisse spielten mit den Werten der einzelnen Familien und belohnten sie dafür, auf dem neuesten Stand zu sein, um Status und Überlegenheit in den neu errichteten Vorstadtgemeinden zu demonstrieren. In den frühen sechziger Jahren nutzten die Familien das zusätzliche Geld, um alte Produkte durch neue, technologisch fortschrittliche Geräte zu ersetzen, die sofort nach dem Kauf aktualisiert wurden. Die Bedeutung von Gebrauchsgütern war so groß, dass hochmodische Waren in den Vordergrund rückten. Um den neuen gesellschaftlichen Normen zu entsprechen, hatten sich viele Menschen in "lebende Produkte" verwandelt, wie zum Beispiel die "moderne Frau", die sich tagsüber um die Familie kümmerte und abends Dinnerpartys veranstaltete.

Diese Gemälde eignen sich allgegenwärtige Bilder aus der Werbung und den Medien an, indem sie tatsächliche Plakate und gedruckte Bilder auf die Leinwand kleben und mit Ölfarbe überarbeiten, um ein fertiges Werk zu schaffen, das nicht nur die ursprünglichen Bilder bewertet, sondern sie auch mit Browns subversiven Malmethoden und Themen manipuliert.

Sein großes Werk von 1966 mit dem Titel Party konfrontiert den Betrachter mit der Unterscheidung zwischen "kommerzieller" und "hoher" Kunst, indem er sichtbare und erkennbare Bilder und Texte aus der Werbung mit kühnen expressionistischen Strichen übermalt, die eine unverhohlene explizite Bildsprache wiedergeben. Zahlreiche Papier- und Farbschichten verschmelzen zu einem flachen Bildraum, der die "Flachheit" der Werbung jener Zeit nachahmt. Party zeigt eine Frau in der Mitte, die den Betrachter unverhohlen über den oberen Rand ihrer Sonnenbrille anstarrt, während sie ihre Lippen schürzt. Sie trägt einen gemusterten Hut und ein langärmeliges Hemd, während sie mit Leichtigkeit ein mit Desserts beladenes Tablett balanciert. Direkt unter ihrem Tablett ist sie ohne Farben erwischt worden; Brown hat die ursprüngliche Werbung übermalt. Rechts von ihr geht die Party weiter, ohne dass jemand bemerkt, dass er oder sie keine Farben hat. Durch die am stärksten gemalten Teile der Komposition, wie die Beine, dringt die Werbung immer noch durch die Farbe hindurch und hinterlässt Männer und Frauen mit Flaschen als Oberschenkel. In der rechten oberen Ecke steht: "Verleihen Sie Ihrer Party den richtigen Glanz". Indem Brown mit Werbung und Farbe spielt, schafft er einen Raum, in dem kommerzielle Kunst und Studiokunst zusammen enthalten sind, und überlässt es dem Betrachter, verdrehte Motive zu entschlüsseln. In den sechziger Jahren wäre eine solche Nacktheit niemals in der Werbung zu sehen gewesen, sondern nur in einem Museum. Außerdem würde man die Kombination aus durchdringenden, übermalten Bildern am ehesten in der U-Bahn nach einem Akt des "Vandalismus" sehen. Brown zeigt, was man sich beim Betrachten von Werbung vorstellen könnte: Die schöne Menge verkauft das Produkt, nicht das Produkt selbst.

Zwei Videoinstallationen mit kryptischen, in Öl gemalten Bildern, die auf den Fernsehbildschirm gemalt und dann gerahmt werden, setzen Browns Erkundung des Konsumverhaltens fort. Fernsehwerbung beleuchtet eindringliche Darstellungen von abstrahierten menschlichen Gesichtern und Formen. Die Hinzufügung von Ton zu dieser Kakophonie verdreht die Grenzen des Mediums und verwirrt die Bedeutung. Das Auge des Betrachters jagt dem Bildschirm hinterher und fragt sich, was sich dahinter verbirgt, während es mit Bruchstücken von Pinselstrichen, Film und Voice-Overs zurückbleibt.

Ein weiterer großer Einfluss auf die amerikanische Kultur in den sechziger Jahren war sicherlich der Vietnamkrieg. Obwohl er nie offiziell zum Krieg erklärt wurde, war die Resolution zum Golf von Tonkin das einzige Dokument, das den Grund für die Entsendung amerikanischer Truppen in den "Konflikt" in Vietnam erklärte.

Mit der Resolution sollte den Menschen offenbar Angst gemacht werden, damit sie glauben, dass es einen Grund für die Entsendung von Truppen nach Vietnam gab. Als die Kämpfe im Laufe des Jahrzehnts weitergingen, waren sich die Amerikaner nicht mehr sicher, ob es wirklich einen Grund gab, dort zu sein. In einem NBC-Interview mit Präsident John F. Kennedy aus dem Jahr 1963 spielte der junge Präsident auf die erschreckende "Domino-Theorie" an, die besagte, dass sich die Geißel des Kommunismus nach dem Fall Vietnams über ganz Asien und dann über die ganze Welt ausbreiten würde. 

Doch als immer mehr junge Menschen ohne ersichtlichen Grund ihr Leben verloren, stellten die Amerikaner - vielleicht zum ersten Mal - die Glaubwürdigkeit ihrer Regierung in Frage. Die Soldaten wurden zu einer Art Handelsware, die verpackt und über den Ozean geschickt wurde, um in einem Krieg zu kämpfen, den sie nicht verstanden. Je mehr Menschenleben verloren gingen, desto mehr Soldaten wurden in die Schlacht geschickt, ohne dass ihre gegenwärtigen oder zukünftigen Leistungen berücksichtigt wurden.

Ein kleineres Gemälde Warrior spiegelt die unheimliche Gefühllosigkeit wider, die sich in Amerika durch den ständigen Anblick von Gewalt in den Medien verbreitet, die durch den Vietnamkrieg ausgelöst wurde. Der Krieger in dem Werk wird von einem dicken Auftrag schwarzer Ölfarbe verschlungen. Sein Gesicht ist nur durch einen elliptischen Fleck aus fleischfarbener Farbe und Andeutungen von Augen und Mund zu erkennen. Ohne Werbung oder Plakat trennt Warrior den Betrachter von bequemer Ikonografie und überlässt es uns, die Bedeutung von Browns Farbe auf der Leinwand zu entschlüsseln. Die Trennung und die Leere des kommerziellen Designs, die in den anderen Werken zu finden sind, stören Browns Muster. Das Gemälde ist vom Betrachter entfernt, so wie die Gewalt des Vietnamkriegs von den Amerikanern, die ihn im Fernsehen verfolgen, entfernt war. In dieser Hinsicht ähnelt die Leinwand dem Medium des Fernsehens und der Printmedien, das die Amerikaner gegenüber der Gewalt in Vietnam betäubte.

Während des Vietnamkriegs wurde noch mehr Verwirrung gestiftet, indem Amerikas selbstgesponnene Camelot-Fantasiewelt aufgelöst wurde. Präsident John F. Kennedy hatte den Vereinigten Staaten einen jugendlichen Anstrich gegeben, als er zum ersten Mal zum Präsidenten gewählt wurde. Seine schöne Frau, sein persönliches Charisma und seine Kinder, die ihn anhimmelten, galten in Amerika als königlich. Im Jahr 1963 wurde der Traum von Camelot zerstört, als JFK ermordet wurde. Die Amerikaner mussten ein neues Symbol finden, um Gefühle und Ideen auszudrücken. Die Menschen begannen, die Sexualität als Ventil zu nutzen und sich gegen die konstruierten sozialen Normen aufzulehnen, die nach der nationalen Tragödie zu versagen schienen.

Die Serie Fucking aus dem Jahr 1965 besteht aus fünf großen Gemälden (vier sind zu sehen), die verschiedene sexuelle Stellungen zeigen und mit derselben dunklen Ölfarbe gerahmt sind, aus der auch Warrior hauptsächlich besteht. In Fucking heben sich die Figuren, die fast alle durch unverhüllte Werbung dargestellt sind, sowohl durch leuchtende Farbtöne vom Hintergrund ab, als auch durch Körper, die aus ähnlichem Material bestehen, zu einer Figur zusammen. Browns harte menschliche Konturen, reine Farbtöne und Abstraktion erinnern an den späteren Sprung des Fauvismus in die Sexualität und den Akt. Bei näherem Hinsehen sind die Bilder der Serie aus Anspielungen zusammengesetzt, die mit stilisierten Merkmalen auf menschliche Formen anspielen. Browns krasse Darstellung sexueller Handlungen, die durch die Kombination von Werbegrafik und Text entsteht, macht die Bilder "schmutzig". Als ob Brown den Akt des Fickens mit einem Verkaufsaufkleber versehen würde. Das Ficken, das immer noch von der Kommerzialisierung betroffen ist, entidealisiert den Sex und misst ihm denselben Wert bei wie den Papieren und Plakaten, aus denen er besteht.

Die Entscheidung, diese Werke von 1960 im Jahr 2010 erneut auszustellen, fordert den Betrachter auf zu untersuchen, warum sie in unserem Jahrzehnt so wichtig sind. Als Teil einer Retrospektive sind diese Werke wichtig, weil es für Brown in den sechziger Jahren fast unmöglich war, sie in kommerziellen Galerien zu zeigen. Darüber hinaus verlor Brown einen Großteil dieser Werke bei einem Brand in seinem Atelier im Jahr 1966. Doch warum sind sie im Jahr 2010 noch relevant? Seine Werke zeigen ein Gefühl der Rebellion, das New Yorker Straßenkünstler immer noch antreibt. Die Motive der Werke sind Parallelen zu zeitgenössischen amerikanischen Debatten: Konsumismus, Krieg im Irak (und scheinbar überall) und Sexualität in einer Post-AIDS-Welt, in der Sex und Tod zu einer eigenen Marke geworden sind.

Herb Browns Werke hinterfragen die Unvereinbarkeit der sechziger Jahre (Waren, Kriegswirren, Entdeckungen), indem er subversive Maltechniken einsetzt, um die überwältigenden Bilder der "Normalität", die in den Medien dargestellt werden, zu manipulieren. Formal evozieren Browns Gemälde Dichotomien. In dieser Gemäldeserie, die wie erratische Collagen anmutet, wird sorgfältig eine Zeit der amerikanischen Geschichte zusammengesetzt, in der soziale Reformen den Amerikanern sowohl größere Freiheit als auch größere Isolation brachten. Durch die Überarbeitung von Bildern, die den Stand der Dinge in den Sechzigern dokumentieren, kann Browns Kunst als stille Kritik an den Veränderungen gelesen werden, die in einem seismischen Jahrzehnt stattfanden.

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